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27 sept 2011

"The Tree of life" de Terrence Malick.

Al fín me decido a escribir una conclusión sobre "El Árbol de la vida". Una película que según el ojo que la mire, podrá decir que es la obra maestra de la década, o el bodrio del siglo.



Parece difícil explicar de que trata la película, pero en mi opinión no lo es en absoluto: Es una película sobre la vida. Sobre como ésta nos pone en un lugar para cambiarnos a otro distinto, llevándose a seres queridos y poniendonos a otros en el momento que menos lo esperamos, sobre lo efímero de nuestra existencia en el universo, sobre el amor, tanto el de una angelical madre como el de un estricto padre. En definitiva, un tema, que aparentemente todos conocemos, pero no todos llevamos a la práctica. Ser feliz.

El ojo de Terrence Malick ( Este director que en 30 años ha realizado 5 películas, pero vaya películas) consigue alcanzar un nivel de plasticidad y belleza en su primer tramo, sólo comparable con la increíble intimidad conseguida más tarde, cuando entra de lleno en el seno de una familia americana de los años cincuenta. Porque realmente, nunca había visto tanta intimidad en una pantalla, todos los momentos parecen haber sido "robados" como si de un documental se tratase.

Aunque todas las interpretaciones están a un nivel increiblemente elevado ( ¡Malick dirígeme! ), me gustaría destacar el trabajo de los actores que encarnan a los dos hijos mayores de la familia. Hay momentos en los que realmente te sientes como si estuvieras mirando a través de la cerradura de una casa desconocida. Tal vez el punto "flojo" de la película sea el personaje de Sean Penn, poco aprovechado, supongo por un exceso de recorte en metraje. Yo ya he puesto velas para una versión extendida en Bluray.

No es una película para todos los paladares, eso es cierto, no veía a tanta gente salir de un cine desde que vi "La princesa Mononoke". A mi me fascinó al igual que algunos de mis acompañantes les horrorizó, pero desde luego no deja indiferente (Algo, por desgracia, bastante común en el cine actual).

¿Es una buena película? ¿Es incluso una película? No soy nadie para decidirlo, pero desde luego, me siento afortunado de poder haber vivido esta experiencia en una sala. Porque eso si, es obligado su visionado en pantalla grande.

Viva el cine.


RECOMENDACIÓN: Vayan a verla sólo si le gusta el cine y saben estar en uno, si buscan algo movidito o "Sale Brad Pitt, vamos a verla", no vayan, y si van, no se tiren toda la película haciendo comentarios absurdos o fuera de contexto. Gracias.

21 jul 2011

La inocenia de la infancia

¿Por que será que siempre me han atraido los niños en cine? Desde el punto de vista actoral supongo que me atrae la facilidad de crear personajes de algunos niños (el ejemplo perfecto es Dakota Fanning, que se comió a Spielberg, Cruise y a los mismísimos alienigenas en "La Guerra de los Mundos") o incluso la "madurez" de muchos de ellos (Hace poco descubrí a ese maravilloso niño de "Ladron de bicicletas" (Vittorio de Sica, 1948)...Que joven y viejuno a la vez).
Pero tal vez, lo que más me atrae es que, casi siempre, los niños representan esa parte irracional que todos tenemos, esa parte impulsiva que intentamos contener demasiado a menudo. Y claro, cuando juntamos a niños y violencia, casi siempre da un resultado, cuanto menos, interesante.

Toda esta reflexión viene a raíz de mi visionado de la última ganadora del Oscar a mejor pelicula extranjera "En un mundo mejor" (Susanne Bier, 2010) donde un niño me hizo plantearme más en profundidad la convicción sobre lo politicamente correcto, y sobre "La ley del más fuerte". No
quiero desvelar demasiado sobre la película pero os la recominedo fervientemente.

Al terminar la película, comenté con mi amigo Kiko Prada, los más y los menos de tomarse la ley cada uno por su mano, y sobretodo, la influencia de la educación en los niños, como les afecta verse vejado por su aspecto, o alabado por ser más fuerte que otro, o ver como su padre es humillado por otra persona. ¿Donde nace el sentimineto de venganza?

A la mente me vinieron otras dos grandes películas sobre estos temas. Imprescindibles de cualquier cinéfago como son "Dejame Entrar" (Tomas Alfredson, 2008) o "La Cinta Blanca" (Michael Haneke, 2009). Me parece que estos tres títulos formas una buena referencia para empezar a darle al coco. Recomendadísimos.

12 jul 2011

¡Empieza el Hype!

A un año de su estreno...y se supone que esta semana teaser trailer:


¡THE DARK KNIGHT RISES!

26 jun 2011

Los Corleone son para el verano.

Se apagan las luces del cine. Te recompones en la butaca y rezas para que nadie empiece a abrir paquetitos de golosinas ni a consumir compulsivamente palomitas de maíz. Unos largos minutos de publicidad y algún trailer suelto. Y de repente ocurre. Silencio sepulcral, pantalla en negro y los primeros acordes de la magistral banda sonora que Nino Rota compuso para una de las obra maestras del cine. Comienza "The Godfather. Part I".


No, no estamos en un cine en el año 1972, estamos en una iniciativa la mar de jugosa para todos los amantes del cine.

Los cines Verdi (Cines donde hace unos años se estrenó "Estación de Carretera", todo sea dicho de paso...) ofrece este verano una programación especial para paliar las altas temperaturas: "Un verano de cine con los grandes maestros". En ella podremos ver restauradas y en HD las siguientes películas:

FRANCIS FORD COPPOLA:

El Padrino I
El Padrino II

SERGIO LEONE:

Por un puñado de dólares
La muerte tenía un precio
El bueno, el feo y el malo
Hasta que llegó su hora
Érase una vez en América

ROMAN POLANSKI:

El cuchillo en el agua
Repulsión
Cul de Sac
La semilla del diablo

CHARLES CHAPLIN:

El gran dictador
Tiempos modernos

INGMAR BERGMAN:

Fanny & Alexander

ERNST LUBITSCH:

To be or not to be

STANLEY DONEN:

La escalera

FRANÇOIS TRUFFAUT

Los 400 golpes

Una recopilación de películas que por supuesto yo espero ver y recomiendo a todos que sigan mi ejemplo. De verdad, había visto como 6 veces "El Padrino" con anterioridad, pero verlo en cine...es otra historia.

Parece ser que cada semana irán estrenando títulos. Por ahora, al menos en los Verdi de Madrid podemos ver las dos partes de "El Padrino" y "Tiempos Modernos".

Mas información en: http://www.cines-verdi.com/madrid/

PD: Siento no haber actualizado en un tiempo, ciertos asuntos profesionales me han tenido en barbecho unos dias. Pero como decía uno de mis mejores profesores "Señores, los cambios siempre son para bien"

11 abr 2011

Mierda pasada siempre fue mejor.

Esa fue la conclusión a la que llegamos mi amigo Alberto Carpintero (Ahora, flamante ganador junto a Javier Botet de la seccion "Starlight" en la IX edición de los premios Notodofilmfest) y yo a la salida de una película, que por lo que parece no debió de hacernos demasiada gracia.

Y es que, recuerdo en los 90, en mi tierna infancia\adolescencia, como las peliculas que podíamos calificar de "realmente malas" se acercaban siempre con cierta facilidad al concepto "Buena Mierda", que para los desconocedores, es el término con el que cierto grupo de amigos nos referimos a ese tipo de películas tan malas, tan cutres, tan grotescas, que son buenas, y que cada ciertos minutos te arranca una vergonzosa sonrisa. Peliculas que, aunque infumables, terminaban divirtiendo, en contra de sus intenciones.

Creo que la comparación que más rapidamente me asalta es, casualmente, la adaptación de un famoso videojuego: ¡Street Fighter!


Hagamos un poco de memoria: "Street Fighter, la última batalla", Obra póstuma del actor Raúl Julia a.k.a. Gomez Alonso Addams (Tiene cojones acabar una carrera de esta manera) con Jean-Claude Van Damme de protagonista.

La película era un amasijo de frases heróicas, artilugios futuristas y coloridos, y una muestra impresionante de la capacidad de apertura de piernas del fornido Belga.

En mi adorada niñez recuerdo que pensé: "¿Guile es el protagonista de la película?, ¿Ryu y Ken son contrabandistas de armas? ¿Chun-Li, Honda y Balrog repoteros de guerra que viajan en furgoneta? y ¿Quien coño es esa tía que hace de Cammy? "

Años después, concretamente en el 2009, una nueva versión vió la luz en las salas de cine del mundo. "Street Figther. La leyenda".

En este caso la protagonista era Chun-li, encarnada por una buenorra de la serie "Smallville". Afectados por el efecto "Batman Begins" ( Y por supuesto sin llegarle a la suela de la suela del zapato), la película esta enfocada en un tono serio, con un Mister Bison que perfectamente podría haber sido encarnado por Mario Conde, y una serie de personajes y situaciones que intentan darle un aire realista a todo lo que ocurre.

¿Con cual me quedo? No tengo ninguna duda. ¿Trajes sacados directamente del videojuego, con todo lo que ello conlleva contra cuero negro apretado? ¿Mister Bison jugando con un joystick para matar a sus enemigos mientras grita ¡GAMEO OVER! contra Mister Bison de traje dando patadas de anuncio de colonia? ¿Efectos especiales de pegatina donde impera el cutrerio sobre el presupuesto, o F\X de supuesta nueva generación, pero donde lo que canta por soleares son los cromas? Yo lo tengo claro. "Street Fighter. La última batalla" es una pelicula que podría ver una y otra vez, y siempre me divertiría (Repíto, en contra de sus intenciones). "Street Fighter. La leyenda" es una película aburrida, que intenta ser seria pero no llega ni a ser entretenida, y mucho menos a ser "Buena Mierda".

De verdad, mirad fijamente esta imagen.

Y es que, en la actualidad, lo peor de las pelis malas, es que encima, aburren. Y mucho. Todos los que vivimos nuestra adolescencia en los 90 recordamos con cierto cariño peliculas como "Doble Dragón" o "Spawn". Sólo una película actual ha conseguido que vuelva a tener esa rancia sensación a chusco, "Dragon Ball Evolution", o lo que viene siendo lo mismo, "Mierda de Gourmet".

Confiémos en otro de los supervivientes de este género y esperemos que Stallone siga dirigiendo películas que no se tomen demasiado en serio. Y que yo lo vea. Y a poder ser, que Van Damme también.

P.D.: Algun dia tengo que hacer un post sobre "Articulos ansiados de películas". Este estaría en primer lugar.

Pura bizarrada

"Caperucita Roja (¿A quién tienes miedo?)" de Catherine Hardwicke

A la pregunta que formula el título de la película (porque sí, "¿A quién tienes miedo?" forma parte de la traducción del titulo español de la pelicula) yo ya tengo mi respuesta. Tengo miedo a la persona de más de 15 años que pueda ver esta película y adjetivarla como "buena película".

Catherine Hardwicke, recordemos, es la "rechazada" directora de la primera parte de esa saga que "tanto" amo (MODE ironic ON), llamada "Crepúsculo". Y esto no tiene más que pinta de venganza. "¿No me queréis para mas crepúsculos?, pues ya los hago yo por mi cuenta, y de paso me cojo el nombre de un cuento famoso infantil, asi la productora me lo financia".


En serio, campesinos engominados y depilados, guion ridículo hasta la saciedad, situaciones aún más absurdas, ambientación que intenta ser de cuento, pero acaba siendo de golosina... Lo que viene siendo un despropósito. Y lo más doloroso, el trato con el espectador como si fuera estúpido, con constantes flashback de escenas pasadas (incluso puede verse un flashback de una pelea que ocurre 10 segundos antes...) o insertar los momentos más famosos del cuento de manera forzada y sin sentido. He visto anuncios de colonia con mas sustancia.

Lo único disfrutable, para aquellos que sean engañados para verla, seguramente por su pareja, es la aparición del siempre grandioso Gary Oldman. Oirlo declamar en versión original siempre es una clase maestra de entonación e intención.

Al igual que la saga crepúsculo, esta nueva versión del clásico de Perrault ( o de los Grimm, según la versión) me temo que rebentará las taquillas. La fórmula de guapos y chica "outsider" funciona muy bien en nuestros tiempos. No estaría de más que quisieran contar algo coherente, o al menos interesante. Una pena.

"Águila Roja" de Jose Ramón Ayerra

Recuerdo el dia que fuí a al cine Floridablanca a ver "Power Rangers, La película". Era una calurosísima tarde de Agosto, pero con 10 años nada podía mermar mis ansias de ver a los metamorfos protagonistas en pantalla grande. Y de repente, ¡PUM!, los pasillos de instituto y parques de la televisión, de repente se convertían en ciudades enteras, el pequeño petardazo contra "Los masilla" ahora eran grandes explosiones naranjas, los trajes de tela de los superhéroes de telecinco, se habian convertido en estilosas armaduras y sobretodo, los cutre-enemigos de repente se habian encarnado en un muy digital Ivan Ooze. Y yo, anonadado pensé "Esto es cine".

Y este es el gran problema de "Águila Roja, La película". Que simplemente es un capítulo largo, (De más) de la serie de TV. No esperéis planos abiertos para descubrir finalmente como es La Villa, todo sigue ocurriendo en la misma calle de 10 metros. No hay atisbo de un cambio de producción, dado su nuevo formato (Supongo que el dinero fue a la banda sonora, bastante "épica" y al contrato de la Klein). La iluminación sigue siendo la misma, el vestuario sigue siendo el mismo, hasta algún decorado de cartón piedra sigue siendo el mismo.



Si al menos fuera un punto de inflexión importante en la serie, es decir, la muerte de algún personaje principal (Y mira que tienen oportunidades), algúna trama de vital importancia, aunque fuera un cambio de look en el descocado pelo de su protagonista, pero no. Acabará la pelicula y te darás cuenta que todo sigue igual, nada ha cambiado.

Luego nos quejamos de Torrente, pero este "aguilucho" tambien tiene su recital de personajes con rostro conocido que parecen gritar "Yo vengo, digo mi frase y hasta luego, que no quiero molestar a nadie de los veteranos", léase Antonio Molero a.k.a. "Fiti" o Martina Klein. Personajes totalmente prescindibles que entran y salen sin hacer el mínimo ruido. Mención aparte al tigre que aparece en el cartel promocional de la peli, el cual aparece durante 1 minuto de metraje, y el "mejor asesino del mundo que acabará con los dias de Águila Roja" que entra en pugna con Vega de "Street Fighter. La leyenda" por el malo más insustancial de la historia del cine. Desde la presentación de personaje hasta su muerte pasan...¿10 minutos?.

Pues eso, que viva el cine, cuando se hace para proyectarse en una sala.

y esto de regalo, para los nostálgicos:

15 nov 2010

Hi, I´m the ghost of Daniel Johnston

Hoy me veo cinematograficamente obligado a haceros una recomendación: Conseguid por cualquier medio "The Devil and Daniel Johnston"(Jeff Feuerzeig, 2005). Anoche tuve el placer de asistir a una proyección de este documental en el círculo de bellas artes de Madrid y me quedé con la boca abierta.



No voy a explicaros quién es Daniel Johnston, yo simplemente poseía ligeros datos sobre su historia. Cantante americano, primeros años de la MTV y poco más. Había oído buenas críticas del film, y haciendo alarde de mi poder de deducción, supuse que el sustantivo "Devil" en el título hacía referencia a cantante famoso y sus juergas. Nada más lejos de la realidad (En parte...).

Es cierto que mi cultura sobre películas documentales es bastante escasa, pero ésta comparte grandes cualidades con "Grizzly Man" (Werner Herzog, 2005) (Otro gran documental de visionado obligado): Hacer al espectador preguntarse en algún momento "¿Pero esto es real?" o conseguir, hablando directamente de un personaje, radiografiar indirectamente la sociedad que lo rodeaba.

Mi duda con este tipo de película es siempre la misma. ¿Es tán buena la película, ademas de por su contenido, por la realización de la misma, o simplemente es tán "fascinante" la historia de Daniel Johnston que incluso contada por Michael Bay seria interesante? La respuesta no importa, es una buena película, y en los tiempos que corren, es dificil que te dejen con la boca abierta como lo hicieron conmigo.


Para los que queráis conocer más sobre él (Después de haber visto la pelicula, por favor) en la wikipedia teneis información: http://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Johnston

13 abr 2010

ESTACIÓN DE CARRETERA de Javier & Kiko Prada.


“Estación de Carretera” se lleva su selección número 45 en el Festival internacional de Córdoba (Argentina), así que creo que es el mejor momento para hablaros un poco sobre el corto que más alegrías me ha dado.

Los gemelos Prada no son primerizos en esto de rodar pequeñas películas. Ya saborearon el reconocimiento internacional con las más de 60 selecciones y 8 premios conseguidos con su anterior corto, “Humanos con patatas”, en el cual se narraba la historia de un hombre de mediana edad con cierta predilección por la carne humana. La pasión por el cine es su marca identificativa, como bien se puede comprobar en todos sus trabajo, desde “Painting Soldiers”, en el que se cuenta la inquietante noche de un chico que tiene por afición pintar pequeños soldaditos de plomo hasta “Carla”, donde nos encontramos con la historia de una Caperucita moderna, enfrentándose a sus propios lobos (Magistralmente interpretada por Judith Viloria, y con una dirección apabullante para lo que se supone “sólo” debía ser un corto de escuela).



“Estación de carretera” es un corto escrito, producido y dirigido por los hermanos Javier y Kiko Prada y llevado a cabo en Septiembre del año 2008. El rodaje se dividió en dos partes, 3 dias en Oviedo, rodando la parte del corto conocida como “Detective Cañita”, y 3 dias en Adra, Almería, rodando lo que podríamos llamar la trama central del corto.

La historia gira en torno a la “Femme Fatale” (Cecilia Gessa), una asesina que trae en jaque a toda la nación, por la oleada de crímenes que deja a su paso. El último de ellos, el dependiente (Carlos Pereira) de una estación de carretera en un pueblo costero . Dos policías (Sebastián Haro y un servidor, Agustín mateo) le siguen la pista.



Una organización muy bien preparada y una equipo técnico inmejorable, entre los que se encontraba David Ambit a cargo de los efectos especiales y maquillaje ( Entre sus trabajos más destacados están las dos partes de la taquillera [REC]) hicieron un rodaje muy agradable, no exento de contrariedades ( Cabezas que no revientan como deben, camiones que chafan cables, autóctonos intentando protagonizar secuencias…)

En resumen, es por ahora el evento cinematográfico mas importante en mi carrera y el que más alegrías me ha dado.(Gracias a este corto asistí por primera vez a mi festival español favorito, SITGES). Y espero que aún me dé muchas más.



Desde este rinconcito, muchas gracias a todos los que participasteis, y sobre todo a los dos Critters menos peludos del planeta, por confiar en mí. Aquí os dejo el Making Off, rodado, dirigido y montado por Sinnermanfilms (Paul Stein y Daniel Guzmán):

Sangre, gasolina y serie B from Sinnermanfilms on Vimeo.

4 mar 2010

"THE WOLFMAN" (El hombre lobo) de Joe Johnston



No voy a gastar mucho tiempo en escribir sobre esta película. No por odio, si no por algo peor. Porque no hay mucho que escribir.

De sobra por todos es conocido el mito del hombre lobo, ya sabéis, maldición, balas de plata, colmillos afilados, etc...

Joe Johnston (Director de una de las mayores ruinas que yo me he encontrado en una sala de cine, “Parque Jurásico III”, o como crear un móvil resistente a los jugos gástricos de un lagarto de 4000 toneladas) consigue una ambientación bastante acertada, que recuerda (tal y como nos repitieron 100 veces en su promoción) a las antiguas películas de la productora Hammer. Con un Benicio del Toro, que ya sin maquillaje parece un Lobo, una Emily Blunt es su correcto sitio, y un Anthony Hopkins que parece interpretar de nuevo al Van Helsing que tiempo atrás le dio Francis Ford Coppola. Destacar a Hugo Weaving, que encarna al detective que investiga las atroces matanzas. Un actor que siempre destaca en sus papeles secundarios, y lo borda en sus principales (Aunque sea con careta como hizo en V de Vendetta).


El maquillaje del señor Clive Barker no esta nada mal, aunque en los tempos que corren, se ven claramente empapados por unos Fx, que siento que en algunos momentos cantan un poquitín mas de la cuenta (Aunque me quito el sombrero ante las transformaciones, la inicial y la que sucede ante los expertos en medicina).
Y os preguntaréis ¿Y entonces que falla? Pues, amigos míos, falla lo más importante. El guión. Un guión enclenque y soso, con momentos realmente absurdos (¿Quién se cree esa historia de amor? De “Hola, soy tu cuñado” a “Hola, no puedo dejar de pensar en ti” en dos secuencias).

La película ha estado durante años dando vueltas por estudios, con retrasos de estrenos, caídas de actores, etc…Estos imprevistos, siempre en esa delgada línea entre la verdad y la falsa publicidad, hacen crear expectativas sobre ciertos productos. Por ello, luego la decepción es mayor. En este caso eso se ajusta al 100%. Cuando una película empieza bien, pero acabas pensado “¿Por qué hay dos lobos haciendo ballet, y saltando como si esto fuese Matrix?” es que algo no va bien.


Como nota fuera de lugar, un gigantesco grupo de “chonis y garrulos” poblaban la última fila del cine, y ahí me di cuenta de una de las taras de mi querida ciudad. (Además de tener un nuevo recurso actoral para cuando interprete a un asesino en serie), ¡Cines en V.O.S. en Murcia ya!

28 feb 2010

"A SINGLE MAN"(Un hombre soltero) de Tom Ford


¿Cómo superar la pérdida del verdadero amor? Esa es la pregunta que seguramente se hace cada día al despertar George Falconer, profesor de universidad en los años 60 de una América aterrorizada por los misiles de Cuba y cubierta por esa capa de hipocresía que hace que las minorías “molestas”, sean simplemente invisibles. “¿No lo sabes, George?, somos invisibles”.

Con esta premisa, el niño mimado de GUCCI, Tom Ford, hace su entrada en la industria del celuloide. Y no podía entrar con mejor pie. Como buen asesor de moda, el mejor piropo que se le podría atribuir a este director sobre su película es que es increíblemente elegante. Elegante por los modelos que lucen los protagonistas, cuidados milimétricamente. Elegante por el uso de la fotografía según el estado de su protagonista, creando momentos de verdadera poesia narrativa. Elegante por su concepción visual (El cartel de “Psycho”, sus camaras lentas, su cadencia…). Pero sobretodo elegante por su manera de hablar de sentimientos.

“A Single Man” es una película que va cociendose a fuego lento, con calma, que va abrazando al espectador poco a poco, y entra en su interior casi sin darse cuenta. Con un Colin Firth en estado de gracia (Tom Ford le ha dado, posiblemente, el mejor papel de su carrera) y una Julianne Moore en su línea ascendente hacia el olimpo de las grandes actrices del cine actual (Aunque eche de menos mas metraje para su personaje) el film nos muestra los recuerdos y sensaciones de un personaje que ya no sabe como seguir el camino que debe recorrer, la angustia de la soledad, de la vejez, y de una condición sexual no convencional, en una América que debe reforzar su discurso sobre “El sueño americano”.

Sus “contras” los encontramos en la condición de principiante de su realizador. Tal vez en esa obsesión por que todos los planos sean visualmente bellos, por demostrar que es un realizador con un sello propio, le den un aire pretencioso al conjunto, aunque, la verdad, el señor Ford, con esta cinta ha comprado mi entrada para su próxima aventura cinematográfica.

Su final no me ha terminado de convencer, aunque aun reflexione sobre su utilidad, así que espero vuestras opiniones cuando salgáis del cine.

8 feb 2010

"NINE" de Rob Marshall


Siempre me han gustado los musicales, no se porque esa extraña mezcla de mundo real y fantasioso siempre me entretuvo. Tal vez sea por esa obsesión mía de ir con los cascos por la calle pensando que todo es un videoclip y que de un momento a otro, la señora que esta comprando el pan va a ponerse a saltar cual Pina Bausch o tal vez tenga que ver con la “experiencia religiosa” que tuve al ver en el cine “MOULIN ROUGE!”. A mis tempranos 16 años salí de la sala 10 del centro de ocio “ZigZag” pensando que nunca había visto tal despliegue visual en una sala de cine (Tal vez, por esa razón fui arrastrando progresivamente a todos mis conocidos y familiares a que la vieran, convenciéndoles con mi mirada de “¿Es que no te das cuenta que es una maravilla?”)

Viendo “NINE” llegue a la conclusión de que hay 2 tipos de musicales:

- Aquellos en los que los temas musicales te van contando la historia, es decir, que son indispensables en la película.
- Aquellos en los que las canciones son solo un acento de aquello que la película ya ha contado, con lo cual, si las quitas, la película es igualmente entendible.


“NINE” de Rob Marshall pertenece, descaradamente, al segundo grupo. Y aunque eso no tiene porque ser un punto negativo, si lo es, cuando te das cuenta que a su director solo le interesan esos “acentos”.

Me explico. NINE puede ser fácilmente definido como un espectáculo vacío. O al menos lo es en el formato en el que está engendrado.
Rob Marshall acentúa sus defectos (Que ligeramente se vislumbraban en CHICAGO, siendo ésta, al menos para mí, una película bastante entretenida) y nos demuestra no conocer la diferencia entre dos lenguajes muy distintos. El de un Musical en Broadway, y un musical en el cine.

Los números musicales son técnicamente impecables (Más le valdría a Rob Marshall habiendo sido un importante coreógrafo) pero increíblemente teatrales, como si hubiera metido la cámara en el escenario de un teatro, sin aprovechar todo lo que el medio audiovisual ofrece y con un montaje erróneo, para mi gusto. Seguramente, la visión que tenía de NINE hubiese funcionado mejor realmente sobre las tablas.
El gran lastre de esta película es ese, que a veces parece que lo único que le importe sea la parafernalia musical, sin preocuparse de su historia, y mas importante aún, de sus personajes.


Para mi NINE será el gran reparto desaprovechado del año. Daniel Day-Lewis esta genial, pero porque este hombre es un portento interpretativo y hasta de la mínima siempre saca petróleo para difuminarse con su personaje, en este caso, el agobiado Guido Contini. Marion Cotillard va a la par consiguiendo que su personaje sea el único femenino que nos importe un poco. Penélope Cruz, sinceramente, sorprende. Su número musical es increíble, y su interpretación tal vez la más valiente de la película, rozando pero nunca pasándose.

Me gustaría poder hablar de Nicole Kidman, Sophia Loren, Judi Dench o Fergie, pero es que más que personajes parecen cameos. Sus personalidades quedan totalmente en la superficie, llegan dicen dos frases, cantan y ala, si te he visto no me acuerdo (Cierto, Judi Dench tiene un poco mas de miga, pero totalmente desaprovechada).

Y merece un párrafo a parte, la julandrada de la película. El personaje de Kate Hudson, Stephanie la “pícara” reportera. O lo que es lo mismo “el personaje fantasma”. Me da rabia que los medio estén alabando a la hija de Goldie Hawn como la revelación del film cuando el personaje aparece 10 minutos en pantalla y no aporta absolutamente nada. Pero nada de nada. Si es cierto, tiene el numero musical más espectacular, pero es que esto no es un videoclip, es una película. Aparece, pregunta, tontea, canta y ¿Alguien la ha visto?. Ojo, no digo que la Hudson lo haga mal, al contrario. Pero, al menos en pantalla, es un personaje fácilmente eliminable.



Para terminar, solo me queda recomendar el visionado de la película en la cual esta basado este musical. “8 y medio” de Federico Fellini, o lo que viene siendo una obra maestra. O “Pozos de ambición” o lo que viene siendo, una interpretación “Made in Daniel”. Es lo que pensaba mientras veía la película.

28 ene 2010

"EL SECRETO DE SUS OJOS" de Juan José Campanella



Si nos remitimos a la filmografía reciente de Juan José Campanella nos encontramos títulos como “Luna de Avellaneda”, “El Hijo de la Novia” o “El mismo amor, la misma lluvia”, todas ellas enmarcadas de una u otra manera en distintas facetas del amor. Sabiendo esto, tal vez, el título de su última película, “El secreto de sus ojos”, nos pueda llevar a la confusión y creer que el realizador argentino, retoma los temas de sus anteriores trabajos. Nos equivocamos. O al menos, nos equivocamos a medias.


“El secreto de sus ojos” cuenta la historia de Benjamín Espósito, funcionario de un Juzgado de Instrucción, al borde de la jubilación que se empeña en escribir una novela basada en un caso que le conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión por el brutal asesinato ocurrido en la argentina de los años 70 lo lleva a revivir el pasado, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen, sino también una profunda y silenciosa historia de amor.

Con esta sinopsis, Campanella nos trae un film que mezcla a la perfección el cine Noir, detectivesco con las profundas historias de amor que tanto le gustan, y lo hace con una maestría apabullante, con un guión milimétrico, y unos actores en estado de gracia, que hacen que el film tenga un cierto aroma a clásico instantáneo.


De verdad, olvídense de lo visto en sus anteriores films, porque “El secreto de sus ojos” marca un punto y aparte en la filmografía de este artesano del cine. A partir de un magnifico guión (obra suya y del autor de la novela en que se basa), con unos diálogos brillantes, dando a partes iguales, intriga, amor y humor, nos metemos de lleno en un entramado que mezcla presente y pasado, a base de miradas, miradas que pesan mucho más que las palabras, miradas con las que el espectador consigue empatizar a los cinco minutos de metraje, y además de todo, demostrando que el señor Campanella sabe lo que se hace (Sólo hay que ver el increíble plano secuencia del campo de futbol).

Ricardo Darín, como siempre esta impresionante, al igual que su compañera Soledad Villamil (Actriz nominada, incomprensiblemente, al Goya a Mejor Actriz Revelación este año, cuando es bien sabido de su carrera cinematográfica). Pero me gustaría destacar a dos personajes que me parecieron absolutamente conmovedores. Uno de ellos es el que encarna el actor Pablo Rago, el marido de la chica brutalmente violada y asesina. Un personaje que refleja en sus ojos el amor mas profundo y sincero, que poco a poco va tornándose en desesperación y desolación. El otro personaje es el que interpreta Guillermo Francela, Sandoval, o como podría llamarse, el Sancho Panza de Benjamín. Solo diré una cosa. Creo que es la mejor borrachera que he visto en mi vida en una sala de cine.

En resumen, una película muy recomendable, de la que sales del cine con la sensación de haber hecho una buena inversión monetaria (8 euros entrar a una sala de cine…Madre MIA), cosa que en los tiempos que corren, a veces se convierte en quimera.


Lo único que debo achacar, y no tengo muy claro a quien, pero presupongo que deberá ser a la academia de cine español, es su extraña participación en los Goya, aunque de esto ya hablaremos en próximas entradas.

25 ene 2010

"DAS WEISEE BAND" (LA CINTA BLANCA) de Michael Haneke


Si echamos un vistazo a la filmografía de Haneke nos damos cuenta de tres cosas:

1- Es uno de los directores mas interesantes de nuestros días, dada su afición de hacer lo que le sale del “ojo cinematográfico”.

2- Hay un denominador común, y este es la, llamémosle, búsqueda o entendimiento del origen de la violencia, del odio (Sin necesidad de imágenes excesivamente escabrosas o sádicas).

3- Su manera de entender el cine no es apta para encefalogramas planos. No esperéis respuestas fáciles, ni flashbacks explicativos.

Si analizo estos tres puntos llego a la siguiente conclusión. LA CINTA BLANCA es su película mas sólida, mas propia, mas Haneke.

La acción nos sitúa en un pequeño pueblo norteño, de arraigadas creencias religiosas, de la Alemania de principios del siglo XX. Donde una cadena de violentos sucesos son la excusa para que el director nos haga una perfecta radiografía de las costumbres, creencias, y oscuros secretos de esta pequeña comunidad.


Muchos han visto en esta película, una reflexión sobre el origen del nazismo (Los niños de la película, serán en un futuro los adultos de la Alemania del Tercer Reich), y aunque estoy deacuerdo, me parece una lectura demasiado simplista.

Creo que mas allá de esto, Haneke muestra los efectos de una sociedad totalitaria, donde conviven los oscuros secretos, la hipocresía y la dura educación con los bailes, las fiestas de la cosecha y las clases de la escuela. Un niño criado en un lugar de estas características desde su nacimiento, rodeado de odio, de maldad, de vidas podridas ¿Qué concepto desarrolla de lo que es bueno o malo?¿Cuales pueden ser sus principios?¿Que significado tiene para él la inocencia, representada en este caso con una cinta blanca?

Haneke explica todo esto con una impecable fotografía en blanco y negro, un ritmo lento pero asfixiante, unos planos que insinúan más que enseñan y una dirección de actores digna de maestros (Odio esas películas donde los actores visten con ropajes de otras épocas, pero siguen actuando como si estuvieran en el Bronx).

Sinceramente, es una película que deja poso. Las respuestas a las tramas son algo secundario cuando te das cuenta del alcance de la historia que acaba de pasar ante tus ojos y las consecuencias que tendrá. Tal vez su ritmo pausado pueda resultar tediosos o frío a algunos espectadores.

A mi me a fascinado.